從自然採擷：花卉顏料如何塑造藝術跨越千年
【香港訊】在化學合成顏料佔據主流之前，藝術家與工匠曾轉向自然界，從礦物、昆蟲及植物中提取色彩。其中，花卉顏料以其獨特的亮度、透明感與固有的不穩定性，在人類繪畫史上佔有引人注目的地位。一份深入的跨文化報告指出，這些由花瓣煉製的有機色料雖不如礦物顏料持久，卻承載著深厚的儀式、象徵意義及哲學內涵，其「無常」的特質，反而成為東西方藝術對時間與生命的理解媒介。
與無常共舞：花卉顏料的脆弱本質
花卉色彩主要來自花青素、黃酮類及類胡蘿蔔素等有機化合物，對光線、空氣和酸鹼度極為敏感。這與穩定耐久的赭石或青金石形成鮮明對比。使用花卉顏料的藝術家清醒地意識到，他們的作品並非靜態永恆，而是一個持續演變的生命體。
專家指出，這種顏料多用於水性媒介，如墨水、濕壁畫和手抄本水彩。雖然使用阿拉伯膠或蛋黃等膠質有助於懸浮顏色，但無法阻止其隨時間褪色與轉變。事實上，這種細膩、非永久的視覺語言，定義了花卉顏料的美學價值。
古代世界的精神聯結與東亞文人審美
在古代文明中，花卉顏料主要用於儀式與象徵。例如，在古代埃及，浸泡的藍睡蓮花瓣製成的柔和藍紫色顏料，賦予紙莎草畫與壁畫重生與神性的連結。在南亞的宗教繪畫中，如紅花樹（Palash）般的花卉，被提煉出與修行僧袍及神聖火焰色澤相呼應的橙色，強化精神意涵。
東亞文化則賦予花卉顏料哲學層面的意義。在中國、日本與韓國，雖然墨與礦物顏料佔據主導，但如紅花（Carthamus tinctorius）提煉出的粉紅與紅色，則用於產生柔和、氛圍感強烈的色彩，符合文人審美對「無常」的追求。在日本繪卷和浮世繪中，紅花顏料的光輝雖今已柔化，但這種由歲月留下的痕跡，反與其短暫性的哲學不謀而合。
從手抄本裝飾到現代回歸
在中世紀歐洲的泥金手抄本中，僧侶曾利用矢車菊或蜀葵提煉藍色與紫色，為文本和邊飾增添色彩。而在伊斯蘭藝術中，如玫瑰花瓣製成的淡粉色墨水，常溫和地疊塗在礦物色之上，用於框架文字或填充花邊，營造出與金箔相映成趣的「光感」效果，強調了手抄本的親密與珍貴。
隨著文藝復興時期礦物顏料與化學染料的普及，花卉顏料在西方主流藝術中逐漸式微。然而，當代藝術家正重新審視花卉顏料，被其不穩定性和生態共鳴所吸引。這些藝術家通過研磨、發酵花瓣，製成有機色料，將其應用於裝置藝術、行為藝術或「公共褪色作品」中，使時間本身成為創作的共同作者。
有機色彩：記錄生命的載體
許多原住民知識與藝術體系從未追求顏料的永久性。在中美洲或澳洲原住民的儀式藝術中，定期重繪行為本身即是藝術的一部分，象徵著與土地和季節循環的連結。花卉顏料的消失並非失敗，而是完成。
總體而言，花卉顏料的歷史是一部關於取捨、協商與理解自然界局限的歷史。它不追求永恆，而是記錄了陽光、土壤與季節的生命印記。這種對短暫性的接受，提醒著我們，色彩曾是一種與自然界建立關係的親密過程，而非征服。對有機色彩的現代回歸，預示著藝術界對永續性與生命哲學的新思考。